Reto E. Fritz n'est pas seulement un maître dans son domaine, c'est aussi un penseur qui comprend la musique jusqu'au plus profond de son être. En tant que chef d'orchestre et pianiste, il allie profondeur intellectuelle et passion artistique. Dans cette interview, Reto, membre du RC Zurich-Oberland et ancien gouverneur du district 2000 et président du Conseil des gouverneurs CH/FL, nous parle de son voyage musical, de ses réflexions philosophiques sur la musique et de l'homme derrière le pupitre du chef d'orchestre. Nous plongeons dans le monde des sons et découvrons ce qui le caractérise en tant que musicien et homme - avec un clin d'œil et un grand sérieux à la fois.
Reto, tu as dirigé et interprété un immense répertoire d'œuvres au fil des ans. Face à une telle profusion de morceaux, a-t-on encore une sorte de « chanson préférée » ?
En fait, je m'enthousiasme toujours pour le programme du moment, qu'il s'agisse d'un récital de piano, de musique de chambre, d'un gala d'opéra avec de merveilleux solistes ou d'un concert symphonique de chœur. Une œuvre plus petite m'accompagne cependant depuis ma plus tendre enfance et je la joue depuis plus de 50 ans : la Berceuse Op. 57 de Frédéric Chopin. C'est une pièce de musique absolue, douce, magique, d'une grande sensibilité, et tout est accompagné par la main gauche, qui joue presque toujours la même figure. Je l'ai souvent joué à mes enfants comme musique d'endormissement au moment du coucher, et en concert, il touche tous les publics.
En tant que chef d'orchestre et pianiste, tu es en mesure de comprendre la musique à plusieurs niveaux - émotionnel, analytique et en tant que créateur. Comment définis-tu pour toi le moment où la musique devient « vivante » ?
En tant que chef d'orchestre, je me trouve toujours simultanément dans les trois niveaux temporels passé - présent - futur. Même si l'on a tout répété à la perfection pendant les répétitions, on n'arrive pas toujours au même endroit X. Les mesures qui précèdent influencent le moment présent dans l'expression, y compris dans le jeu technique, et m'incitent alors à un contrôle accru afin de garantir le passage à l'étape suivante. En tant que musiciens, nous sommes toujours dans un processus de tension, même si l'œuvre s'arrête presque une fois dans un grand calme. La connaissance précise de la partition implique son étude minutieuse, et je dois prendre des décisions concernant l'instrumentation de l'œuvre, clarifier des questions stylistiques avec mes spécialistes et aussi ordonner quelle instrumentation je préfère pour la taille de l'orchestre ou quels solistes je souhaite avoir. Je laisse toutes ces décisions analytiques, intellectuelles et émotionnelles derrière moi pendant le concert et je crée le moment de l'exécution en tant que somme de mes propres connaissances, associée au savoir-faire et à l'action de l'orchestre ou du chœur. L'objectif n'est pas seulement de faire comprendre la musique au public, mais aussi de l'émouvoir avec notre vision respectueuse de la création du compositeur.
Beaucoup disent que la musique est un langage universel. Que signifie cette affirmation pour toi en tant que musicien et en tant qu'être humain ?
Considérer la musique comme un langage universel signifie que son contenu, son émotion, peut être compris sans explication par les personnes et les peuples d'autres cultures. L'expérience subjective de la vie joue ici un rôle essentiel chez les auditeurs. Dans les années 80, un célèbre compositeur zurichois déniait à la musique le droit d'être politique. Seule l'expérience personnelle (par exemple avec des marches de guerre, des chants de partisans ou des associations avec des expériences vécues personnellement) établit un pont vers des contenus critiques pour la société. Cette déclaration a été très mal accueillie par les médias à l'époque, bien qu'il ait eu raison. Dans l'expression musicale, un soupir langoureux, même s'il n'est même pas chanté, mais joué avec passion par un violon ou un cor, est tout aussi compréhensible qu'une montée en puissance grandiose dans une symphonie de Bruckner, qui a atteint à un moment donné son grand point culminant et qui se décharge alors avec force.
Ton travail d'enseignant est une partie essentielle de ton œuvre. Quel rôle joue l'enseignement pour toi ? Y a-t-il des moments où tu apprends toi-même de tes élèves ?
Pendant 30 ans, j'ai pu enseigner le jeu de partition et le piano à des étudiants en musique de tous les continents à la Zürcher Hochschule der Künste (anciennement Musikhochschule Zürich). Ces jeunes entre 20 et 30 ans sont tous très musicaux, car nous sommes une école de talents, et ils apportent tous des conditions différentes, des traditions de leur pays ou d'anciens professeurs et veulent suivre chez nous une formation de pointe pour devenir chefs d'orchestre, cantors, théoriciens de la musique ou instrumentistes. C'est un privilège d'accompagner, d'inspirer et d'encourager notre relève à ce niveau pendant de longues années. De plus, en tant que professeurs, nous profitons toujours de cette génération dans de nombreuses situations, parce qu'elle élargit notre horizon par des approches parfois originales et nouvelles de l'apprentissage, parce qu'elle apporte ses propres méthodes d'écoles où elle a enseigné auparavant, et parce qu'il est passionnant de voir comment les futurs collègues d'Australie, d'Amérique du Sud, des États-Unis ou d'Europe de l'Est ressentent notre grande musique traditionnelle ou quelle approche ils ont développée. Et parfois, ils nous montrent aussi la littérature avec laquelle ils ont grandi. Un jour, un étudiant a apporté en cours des partitions de musique byzantine et m'a étonné par ses remarques sur la pratique d'exécution de ces œuvres.
Dans tes premières années, tu as travaillé en étroite collaboration avec des grands noms comme Nikolaus Harnoncourt. Quelles leçons as-tu tirées de cette période qui te marquent encore aujourd'hui ?
Harnoncourt a été le chef d'orchestre le plus influent du 20e siècle avec sa pratique de l'exécution historique, les livres qu'il a écrits à ce sujet ou encore la redécouverte d'instruments anciens (par exemple avec la reconstitution du hautbois de Bach). Aucun autre maestro n'a autant ouvert la voie de la compréhension historique à toutes les générations futures, mais aussi de la curiosité permanente pour ses propres voies d'interprétation. Lorsque j'ai fait sa connaissance pendant mes années à l'Opéra de Zurich, ce fut pour moi l'occasion de poser toutes mes questions sur le style, l'instrumentation, les éditions de partitions ou les méthodes de jeu sur instruments anciens à cette personnalité véritablement institutionnelle. Parfois, nous nous rencontrions tous les jours. Cela a eu pour effet de me faire étudier à nouveau tout mon répertoire de piano avec des œuvres de Bach, Haendel, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert ou Mendelssohn, pour ensuite ne pas les jouer sur des instruments historiques, mais les interpréter avec cette vivacité nouvellement découverte sur le piano à queue Steinway moderne. J'ai également appliqué mes expériences aux œuvres orchestrales de ces époques, à la musique vocale comme les oratorios, les cantates ou encore les soirées d'opéra en concert. Bien entendu, mon activité d'enseignant à la ZHdK a également été marquée par l'influence d'Harnoncourt. Dans le domaine de l'opéra italien, j'ai vécu avec Nello Santi, dans son travail de répétition incroyablement bien informé, la tradition vécue du bel canto italien à Puccini en passant par Verdi. Tout ce qu'il percevait, entendait, corrigeait en même temps et était toujours présent sans partition était tout simplement inconcevable pour nous.
La musique peut nous toucher au plus profond de nous-mêmes, mais elle peut aussi être exigeante sur le plan intellectuel. Comment équilibres-tu ces deux aspects dans tes représentations et interprétations ?
En tant que musiciens professionnels, nous apprenons tous à un moment ou à un autre, après nos études, à écouter la musique sans préjugés, sans analyse constante de l'œuvre ou de l'interprétation. Et même si la partie intellectuelle de notre travail est souvent très exigeante, notamment lorsque nous pensons aux nouvelles sonorités d'un Franz Liszt tardif, à Arnold Schönberg, mais aussi à l'époque moderne, notre tâche consiste à éveiller chez le public, grâce à toutes ces connaissances, quelque chose d'émotionnel sur le moment, qui touche, bouleverse ou réconcilie en termes d'ambiance. Dans de nombreux chefs-d'œuvre, il y a des parties qui sont très marquées par la construction (fugues) ou par l'intention de la psychologie de l'écoute (Beethoven). Beethoven, en particulier, joue constamment avec les attentes de l'auditeur, le surprend et n'apporte souvent pas la résolution attendue dans un déroulement de tension musicale. Il en résulte un drame qui peut nous captiver, nous manipuler, nous offrir parfois des moments envoûtants ou un moment de cohérence absolue.
Les grands moments musicaux ne durent pas des soirées entières, mais que ce soit lors d'une messe musicale d'une heure à peine ou d'un opéra complet, de tels moments peuvent rendre très heureux. Et pas seulement pour nos auditeurs, mais aussi pour nous, les artistes. La synthèse réussie entre notre préparation intellectuelle et technique et notre ressenti émotionnel peut, dans l'idéal, conduire à de tels moments de bonheur. Il n'est toutefois pas possible de les forcer ou de les programmer.
Nous savons que tu es un perfectionniste, mais aussi quelqu'un qui a de l'humour et qui aime la vie. Y a-t-il des moments musicaux qui t'ont particulièrement fait rire ?
C'était d'abord oppressant et un silence de mort dans la salle de répétition, puis c'est d'abord mon rire (contre moi-même) qui a éclaté, avant que le chœur géant de 176 voix ne se lance dans une véritable orgie de rires. Nous avons répété une chanson avec les paroles « ...der Mond... » et, comme prononciation typiquement suisse, tout le monde a chanté « ...där Mond... », avec un « Ä » criard au lieu du « E » fermé allemand. Ma place au piano à queue se trouvait sur une scène très élevée, et je voulais en fait corriger comme suit : « Ce n'est pas DÄR Mond, mais DER Mond ». Quelque chose s'est alors embrouillé en moi, et c'est avec un grand sérieux et un zèle didactique que je me suis entendu dire : « On ne dit pas DÄR Mond, mais DIE ( !) Mond ! » Silence absolu dans la salle. On avait pourtant toujours cru tout ce que je disais ou corrigeais. Et maintenant, personne n'osait faire le moindre bruit. Dans ce silence, j'ai ri aux éclats parce que ce lapsus m'avait fait dire quelque chose de tellement faux que même le contraire n'était pas vrai. Le charme était rompu, et ce moment durable de comique, mais aussi de joie maligne, parce que le maestro avait commis un lapsus aussi clair, ne connaissait pas de limites.
La musique est ta mission de vie, mais que fait Reto E. Fritz lorsqu'il n'est pas dans le monde des sons ? Et : qu'est-ce que tu fredonnes vraiment le matin sous la douche ?
Autrefois, cette question aurait été plus exigeante pour moi qu'aujourd'hui, où j'ai nettement plus de temps pour moi et ma famille. Je consacre le jeudi à ma petite-fille Emily Sophia, avec laquelle je joue, je cuisine, j'expérimente des colorants alimentaires ou je fais des excursions. Je vis tellement de choses spontanées et uniques qu'il est difficile de décrire comment cette petite fille, aujourd'hui âgée de quatre ans, m'inspire. Qu'il s'agisse de la beauté de la nature, de quelque chose de simple du quotidien ou de l'exposition de sculptures à Bad Ragaz, j'apprends à travers ses yeux, avec ses réactions et grâce à sa capacité à vivre des expériences, à voir certaines choses qui me sont familières d'une manière différente, parfois nouvelle.
Je ne chante jamais sous la douche, et le tango dans la baignoire ne fait pas non plus partie de mon répertoire. Mais sinon, quand je suis seul (et que je pense que personne ne m'entend), je fredonne ou je chante presque toujours une mélodie ou un thème d'une œuvre en cours, et j'exprime peut-être ainsi une certaine insouciance du moment vis-à-vis de moi-même.
Vu de l'extérieur, le rôle de chef d'orchestre est souvent un mélange de magie et de travail acharné. Quels sont les plus grands défis de ton métier ?
Pour diriger avec succès, il faut trois conditions que le grand George Solti avait toujours apostrophées dans ses masterclasses : une oreille incorruptible, le don de la communication et la capacité d'extase. On n'entend certes pas le chef d'orchestre, mais on voit comment, avec ses mains ou sa baguette, il incite l'orchestre, les chœurs ou les solistes à faire de la musique. Son prélude avant le premier son provoque l'inspiration, le tempo, l'expression, le volume et bien d'autres choses encore. En effet, cela ressemble parfois à de la magie lorsque l'effet musical se laisse former et façonner par une personne muette uniquement par les mouvements et les gestes des mains, des bras ou du corps. Nous sommes confrontés à de grands défis avec les questions de distribution, surtout à l'opéra (qui est adapté à quel rôle). Il n'y a pas quatre ou six types de voix, mais 23 ! Il est également essentiel de savoir comment nous voulons encourager la relève et l'intégrer dans nos ensembles. Des tâches particulières nous incombent dans l'organisation de grandes formations. J'ai eu l'occasion d'en faire l'expérience en 1979, lorsque nous avons interprété les Gurrelieder de Schönberg à Zurich sous la direction de Gerd Albrecht avec l'orchestre de la Tonhalle et que nous nous sommes également produits à la Philharmonie de Berlin. Jeune étudiant, j'étais alors répétiteur au piano et j'ai réalisé ce qu'il fallait faire en termes de préparation, de logistique, etc. pour coordonner trois chœurs d'hommes, un chœur mixte et l'énorme orchestre, ne serait-ce que pour les répétitions. Dans la Tonhalle, huit rangées de spectateurs ont dû céder la place à un orchestre plus grand ! Pour la Passion selon saint Matthieu de Bach, il s'agissait pour moi d'éviter autant que possible les temps d'attente, car deux formations chorales et deux orchestres participent, mais ne jouent pas en permanence. Les temps d'attente sont fatigants pour tous les participants et doivent être évités autant que possible. Les représentations du Requiem de Verdi ont également fait partie des plus grandes formations de ma vie. Avec 120 choristes et un grand orchestre symphonique, le chef d'orchestre est responsable de l'équilibre entre l'instrumental et les voix des solistes ou du chœur. Pour moi, cela a toujours été une tâche partielle de m'occuper du sponsoring avec mon propre réseau de relations. J'étais ainsi plus indépendante et plus libre de réaliser des concerts de grande envergure avec jusqu'à 300 participants selon mes propres idées.
Que signifie pour toi le lien avec le Rotary ? Vois-tu des parallèles entre les valeurs que tu transmets dans ta musique et celles qui caractérisent le Rotary ?
Lorsque j'ai découvert nos quatre questions rotariennes, j'ai tout de suite compris à quel point elles s'appliquaient à notre vie et quels aspects importants de l'interaction humaine elles abordaient. Et même si toutes nos actions ne sont pas conformes à l'éthique de ces préceptes rotariens, ils nous aident à réfléchir à des décisions importantes qui ne nous concernent pas seulement nous-mêmes, mais aussi les autres. Le Rotary joue un rôle important dans ma vie. Dans le cadre des responsabilités associatives du RC Zurich-Oberland, j'ai pu constater de manière impressionnante comment fonctionne la base de notre communauté de valeurs mondiale et quelle grande cohésion est possible. Ensuite, en tant qu'adjoint du gouverneur en Suisse orientale, j'ai eu l'occasion de découvrir 15 clubs que je ne connaissais pas, avec tous leurs avantages, leurs particularités et leurs idées originales. Aujourd'hui encore, j'ai des contacts réguliers avec certains membres du Rotary que j'ai rencontrés à l'époque. Depuis de nombreuses années, je suis actif au sein du comité national italophone Suisse-Liechtenstein-Italie-Saint-Marin-Malte. Et je suis toujours étonné de voir avec quelle chaleur ouverte ces gens du Sud nous rencontrent, comment ils s'intéressent à nous et ce qu'ils ont à nous donner en tant qu'hôtes attentifs, en tant qu'exemples rotariens, mais aussi en tant qu'êtres humains. Dans ma profession, la première question rotarienne joue un rôle central. La vérité implique l'honnêteté comme condition préalable. Lorsque, en tant qu'experts à la ZHdK, nous évaluons des étudiants lors d'examens et qu'il arrive que tout ne corresponde pas à nos attentes, ces jeunes gens ont droit à une évaluation claire, à une justification propre pour l'attribution de notes et de mentions, et doivent également recevoir une idée motivante sur la manière dont ils peuvent favoriser leur développement artistique ultérieur ou sur les lieux où ils peuvent se perfectionner. En tant que chef d'orchestre, on est très souvent sollicité par des solistes vocaux pour une audition. Là aussi, il s'agit en premier lieu de « vérité ». La « vérité », c'est ce que je « perçois », puis ce que je juge et évalue. Et enfin, pour le bien de toutes les personnes concernées, il s'agit de savoir comment, après avoir souligné les points positifs, j'apporte des critiques (pureté, prononciation, expression), des corrections, etc., afin qu'elles soient perçues et comprises comme une vision subjective de ma part et que, dans l'idéal, la personne concernée poursuive sa route avec une impulsion positive grâce à la discussion ou en essayant ensemble de nouvelles approches d'interprétation.
Si tu avais la possibilité de diriger un concert n'importe où dans le monde, où aurait-il lieu ?
Ma préparation à la fonction de gouverneur dans le district 2000 comprenait une formation d'une semaine à San Diego, où j'ai pu découvrir l'esprit du Rotary dans une véritable dose de mammouth. Ensuite, j'ai passé plusieurs semaines avec ma femme Doris dans les États du sud-ouest des États-Unis. Lorsque nous nous sommes rendus à Bryce Canyon fin janvier, cette région magnifique m'a tellement enchantés et touchés que je me suis dit : « Donner un concert dans la nature ici, dans ce silence, serait vraiment un point fort absolu ! Les rochers rougeâtres projetaient des ombres dramatiques vers le bas, mais étaient aussi partiellement exposés à la lumière du soleil, ce qui conférait une certaine chaleur au paysage. Mais à cela s'ajoutaient les parties plates recouvertes de neige, qui donnaient à cette arène tectonique une expression qui reste tout simplement inoubliable. Dans une telle force du silence et de l'immobilité, la musique se développera, selon mon idée intérieure, comme par enchantement.
Pour conclure, une question peut-être simple, mais néanmoins complexe : qu'est-ce que la musique pour toi ?
Pour moi, la musique est tout simplement tout. Elle m'accompagne intensément depuis ma plus tendre enfance et, grâce à elle, j'ai pu établir de magnifiques contacts non seulement avec l'extérieur, mais aussi avec l'intérieur, avec moi-même. J'ai fait des expériences qui enrichissent ma vie d'une manière que je peux à peine décrire. Tout ce que je fais professionnellement, c'est pour le plaisir de la musique, l'envie de la transmettre et la plus grande passion. Ce n'est pas un travail au sens propre du terme. C'est pourquoi je ne connais pas de « Work-Life-Balance ». Je suis heureuse parce que j'ai fait de ma plus grande passion mon métier et qu'il en résulte une grande liberté d'action.
